viernes, 1 de mayo de 2015

Explosions in the Sky - The Earth is not Dead Place

En mi repaso a mis grupos favoritos originarios de Texas, hoy toca presentar uno de los discos al que mas vueltas le he dado (en sentido figurado, por supuesto) en mi reproductor de mp3 durante todos los años de doctorado. Este disco se llama The Earth is not a Cold dead Place, y constituye el 3er album del grupo Explosions in The Sky (toma ya!).


Descubrí este disco gracias a un amigo que colgó en facebook precisamente este enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=Xbe8RKfaIjU

Por qué me gustó tanto? Bien, pongámonos en contexto. Era mi segundo año de doctorado, la presión iba en aumento, estabamos en julio y hacia un calor endemoniado... todo parecia muy pesado, la universidad estaba vacía pero yo seguía yendo a trabajar y solo ansiaba que llegará el mes de agosto para escaparme de viaje. El remedio fué esta canción, que cuando la escuchababa  era como si realmente pudiera teletransportarme al fondo del océano y pertenecer a él, escuchar las burbujas de aire salir de mi boca atravesando el agua hacia la superficie, observar todo moverse a camara lenta.
Después de este primer contacto, poco a poco fuí descubriendo el resto de canciones, y aquel disco acabose por convertir en la banda sonora de aquel verano (y probablemente de toda mi tesis).

Mi locura por Explosions in the Sky se acrecentó máximamente en un concierto que dieron hace un par de años en mi ciudad natal, Zaragoza. Como tuve la fortuna de estar en primera fila disfrutando del sonido recién salido del amplificador, y vibrar como si estuviera con los propios músicos, narraré la experiencia: El espectáculo comenzó de la misma forma que comienzan todos sus conciertos. Munaf Rayani, uno de los guitarristas, dió un paso hacia el frente junto al micrófono, y profirió: "We are Explosions in the Sky from Texas". Desde ese momento hasta el final la unica voz que se escuchó fué la de las guitarras, la bateria y algún efecto de pedal loop, empalmando una canción con la otra creando el perfecto trance. Aunque Explosions in the Sky carece de todo el barroquismo de The Mars Volta, son capaces combinar patrones relativamente simples entre todas las guitarras consiguiendo arrastrarte junto a ellas y no soltarte hasta el final. Las canciones atraviesan fases de bajones y subidones, y aunque sin letra, cada una de ellas parece estar contando una historia diferente.

Aquí una de mis canciones favoritas del disco:

The last moment we were alone (hay que escucharla entera, sino no vale. Ojito al minuto 8:00, pocas cosas son tan parecidas a un orgasmo en la música... piel de gallina)

https://www.youtube.com/watch?v=p4HvZuOMPwk
(En cualquier caso esto no es para nada comparable a disfrutar un concierto en vivo)


(miralos que majos con sus pelos de jipilondios. Esta foto ya tiene unos años me temo)

Aquí dejo el enlace para el que quiera degustar el disco entero.

https://www.youtube.com/watch?v=Ziw4yd5R0QI

The earth is not a cold dead place (2003)
1. "First Breath After Coma"   9:33
2. "The Only Moment We Were Alone"   10:14
3. "Six Days at the Bottom of the Ocean"   8:43
4. "Memorial"   8:50
5. "Your Hand in Mine"

Espero que Explosions in the Sky os gustén tanto como a mí y os llenen de épica emoción. Yo solo espero poder volver a verlos pronto en directo. Un abrazo de vuestro reporterto mas dicharachero.

sábado, 25 de abril de 2015

Jeff Buckley - Grace

No voy a escribir mucho sobre el disco que he escogido para compartir en esta ocasión, puesto que al ser uno de los denominados “de culto” o “referencial” se pueden encontrar muchas y muy buenas reseñas a largo y ancho de la red. Tampoco voy a centrarme en el personaje por motivos similares. Sin embargo voy a contar un poco la experiencia personal que me llevó a descubrirlo, puesto que el modo en que lo hice está en cierto modo ligado a la filosofía del blog. Una buena forma para investigar nueva música en la época pre-spotify eran los préstamos de cd’s en las bibliotecas públicas. No consigo recordar si ya había leído alguna reseña sobre Jeff Buckley que me llamase la atención en el periódico, pero el caso es que esa tarde de viernes cogí su disco “Grace” de los estantes de la biblio para tantearlo antes de decidir si llevármelo en préstamo. Creo que nunca hasta aquel día había tenido la necesidad de acabar todo el disco de un tirón antes de llevarlo para casa. Su voz tan característica como de otro mundo, los contrastes entre las distintas intensidades de las canciones, que iban sucediéndose formando un conjunto extraño pero harmónico... Necesitaba escuchar ese disco de nuevo, así que definitivamente me lo llevé y más tarde por supuesto terminé comprándolo. La canción que más me impactó durante esa escucha fue la versión de “Hallelujah” de Leonard Cohen. A pesar de desconocer la versión original, la profundidad de la interpretación llevan la canción a un nivel tan personal que ni me planteé que no fuese una composición suya. Sumado a su halo místico, no pude evitar aportar este cover a la lista de “Las eternas” de Mermelada Sónica. Desde ese ya lejano primer contacto con “Grace”, de vez en cuando siento el impulso de volver al disco, y siempre sigue llegándome igual o más que el primer día. 


GRACE
Jeff Buckley

Publicación: 23 de agosto de 1994
Grabación: 1993-1994
Duración: 117:00
Discográfica: Columbia
Productor: George Marino

Tracklist:


01. "Mojo Pin" (Jeff Buckley, Gary Lucas) - 5:42
02. "Grace" (Jeff Buckley, Gary Lucas) - 5:22
03. "Last Goodbye" (Jeff Buckley) - 4:35
04. "Lilac Wine" (James Shelton) - 4:32
05. "So Real" (Jeff Buckley, Michael Tighe) - 4:33
06. "Hallelujah" (Leonard Cohen) - 6:53
07. "Lover, You Should've Come Over" (Jeff Buckley) - 6:43
08. "Corpus Christi Carol" (Benjamin Britten) - 2:56
09. "Eternal Life" (Jeff Buckley) - 4:52
10. "Dream Bother (Jeff Buckley, Mick Grøndahl, Matt Johnson) - 5:26

Músicos:

Karl Berger - arreglos de cuerda
Jeff Buckley - voz, guitarra, órgano, dulcimer, armonio, tabla (track 10)
Mick Grøndahl - bajo
Loris Holland - órgano (track 7)
Matt Johnson - percusión, batería, vibráfono (track 10)
Gary Lucas - "Magical Guitarness" (tracks 1,2)
Misha Masud - tabla (track 10)
Michael Tighe - guitarra

Personal técnico:

Christopher Austopchuk – dirección de arte, diseño
Steve Berkowitz – productor ejecutivo
Jeff Buckley – productor
Jennifer Cohen –  asistente de diseño
Merri Cyr – fotografía
David Gahr – fotografía
Bryant W. Jackson – ingeniero asistente
Chris Laidlaw – ingeniero asistente
Nicky Lindeman – dirección de arte, diseño
Clif Norrell – ingeniero
Steve Sisco – ingeniero asistente
Andy Wallace – productor, ingeniero, mezclao
Howie Weinberg – masterización

jueves, 16 de abril de 2015

Live Nebraska by Jaume Anglada (Barcelona)

Y allí fuimos, al concierto del post, haciendo honor a la entrada de Nebraska de Miguel. Aunque no hubiéramos oído hablar del tal JaumeAnglada que aparecía en el cartel.


No sabíamos que allí nos reencontraríamos con Alexis, con 10 añitos más y varios pacharanes en el cuerpo. El tal Jaume resultó ser un cachondo, majísimo y con una voz portentosa que con un poco de trabajo pero mucho talento, nos trasladó al Nebraska de Bruce Springsteen.



... pero yo lo que veía era a Alexis cantándonos canciones con la guitarra como tantas otras veces en la Ciutadella, será que se te echa de menos...

Y para más sorpresas Jaume no fue el único que cantó aquella noche. Jordi, animado por el público se arrancó también a homenajear a Springsteen y al blog. Bravo por Jordi!! Aquí os dejo algún vídeo para que los disfrutéis.




PD: como no podía meter vídeos en los comentarios el post de Nebraska, he escrito uno nuevo. Enjoy! 

viernes, 10 de abril de 2015

Los Urogallos- Urogallos

Mi contribución de esta semana es otro grupo actual en castellano (curioso que el vasco y el catalán seamos los que tiremos por ahí). El grupo se llama Los Urogallos, pero os voy a contar esquemáticamente una historia que arranca en la movida madrileña de los '80. Las nuevas libertades que nos daba lo que parecía una democracia hicieron que surgieran una serie de grupos míticos. Ya en los '90 hubo una segunda movida, más repartida geograficamente (Granada, Murcia, Madrid y Barcelona), heredera de la primera. Estos grupos (Fresores Rebeldes, Meteosat, La Monja Enana, La Casa Azul, Vacaciones, etc.) tenían en común una actitud naïf, indie, desenfadada y se encuadraban en un estilo pop.

Se enfrentaron a algunas críticas y fueron bautizados como tonti-pop. Como nota personal, yo me apasioné con estos grupos y flipaba en colores. Era algo nuevo, diferente y muy moderno. Nada parecido se escuchada en la tele ni en la radiofórmula.
Avancemos un poco que os vais a dormir. Al cabo de unos años empezaron a surgir otros grupos que se quisieron desmarcar y optaron por un estilo punk-pop, aunque compartieron la escena indie de esos años y se retroalimentaron. Por ejemplo, en la portada del primer disco del grupo TCR se veían unas chucherías (imagen icónica del tonti-pop) pisoteadas. Curiosamente dos de sus componentes tocaban también con los Fresones.

Bueno, y así estamos. Por si os lo estáis preguntando en qué quedó todo esto, si nunca más se supo de ellos, si tuvieron repercusión, etc. Muchos grupos desaparecieron como aparecieron. A algún componente lo podéis ver en la tele con corbata.
Otros grupos continúan y siguen produciendo grandes discos.
Pero creo (no soy neutral) que tuvieron gran repercusión. Pusieron en valor la música en castellano (que se lo digan a Love of Lesbian y a otros tantos que empezaron en inglés porque era lo molón) y crearon una escena indie de público, festivales, discográficas y salas de música que llega a nuestros días.
Urogallos cover art
Por último (por fin!), os presento el primer EP de Los Urogallos. Son los herederos de los desaparecidos TCR. Practican un punk-pop fresco y sin complejos. Me encanta este estilo de música y la filosofía que esconde (si es que la música conoce de filosofías). También me encanta lo que en su día supuso TCR y otros tantos grupos que ayudaron a modernizar la escena pop española.

miércoles, 1 de abril de 2015

Mother Love Bone - Apple


Hoy presento lo que para mí es un disco sencillo pero imprescindible para comprender lo que fue el inicio de una revolución musical.

Cuando hablamos de grunge se nos vienen a la cabeza unos cuantos nombres de bandas que, sin duda, tuvieron una importancia enorme en la historia de la música. Pero normalmente se suele pasar por alto un grupo que fue considerado por muchos como el verdadero detonador de lo que llegó a ser este género en años posteriores.

Estamos hablando de Seattle a mediados de los años 80, un tiempo y un lugar del mundo en el que las radios y las listas de ventas estaban dominadas por nombres como Guns N´ Roses, Kiss, Bon Jovi o Aerosmith. Era un tiempo en el que el glam metal se había convertido en la música más popular .

Sin embargo, empezaron a salir a escena unos cuantos grupos que criticaban lo que para ellos era una música demasiado "comercial", desarrollando un sonido más "sucio", con unas letras con un fuerte carácter de conciencia social. Son bandas como Soundgarden, Green River o The Melvins.

Entre estos ya legendarios nombres, otro grupo que sonaba por aquella época era Mulfunkshun,  fundado por Kevin Wood y el vocalista (y protagonista de este post) Andrew Wood, con claras influencias de grupos como Kiss pero con un sonido propio que ya apuntaba a lo que ocurriría (o, mejor dicho, estaba ocurriendo) a su alrededor. Después de casi una década de conciertos y su participación en "Deep Six", el primer recopilatorio de grunge de la historia, Malfunkshun se separa sin haber llamado la atención de las discográficas más importantes del momento, que no consideraban su sonido del todo "grunge", y cada miembro de la banda sigue su camino.


Andrew Wood se unió a Stone Gossard y Jeff Ament (guitarra y bajo del recién disuelto Green River) para crear Mother Love Bone. La formación se completó con Greg Gilmore a la batería y Bruce Fairweather a la guitarra líder.


Mother Love Bone se caracterizó por crear un estilo a medio camino entre el glam rock y el punk, o lo que a los amantes de las etiquetas les gusta llamar glam pre-grunge. Como podéis ver en esta entrevista, ni siquiera Andrew consideraba su sonido dentro del llamado "Sonido de Seattle".

En 1989 grabaron su primer EP, "Shine", con letras místicas y enrevesadas, una voz que recuerda por momentos a Robert Plant y con una puesta en escena arrolladora con el protagonismo de un Andy Wood que se había dejado llevar por el maquillaje y la estética glam y que daba cada concierto como si tocase para un estadio lleno hasta los topes aunque en ocasiones sólo hubiese cuatro gatos.


Andy Woods, recién salido de rehabilitación por sus problemas con la heroína, se muda al piso de Chris Cornell, líder de Soundgarden. Desde luego, es un tiempo de una enorme creatividad (cuentan las leyendas que se encerraban cada uno en su habitación e intentaban grabar una canción por día) y pronto, en 1990, Mother Love Bone se mete en los estudios a grabar lo que sería su primer LP. Una sección rítmica básica pero contundente, unos riffs y punteos de guitarra potentes y concisos y la voz de Andrew encajando a la perfección, hacían de éste, a mi modo de ver, un álbum redondo que, por encima de todo, derrochaba rock por los cuatro costados.

Pero unos días antes de ser publicado, Andy muere de una sobredosis de heroína. Un verdadero palo para sus amigos y conocidos, pero también para la escena musical de Seattle. El álbum sale a la luz más adelante con el nombre de "Apple".


Tras el duro golpe, el grupo se disuelve teniendo claro que no encontrarán un cantante que pueda sustituir a Andy.

Otra historia más de un genio que se iba demasiado pronto, con tan sólo 24 años (hace dos semanas se cumplían 25 años de su muerte). Pero si había que sacar algo bueno de esto, Chris Cornell se encargó de ello. Grabó un disco tributo a Andy llamado Temple of the Dog (en referencia a la canción The man of golden words) junto a los que más adelante formarían parte de Pearl Jam: Stone Gossard, Jeff Ament, Mike McCready y el recién llegado a Seattle, Eddie Vedder.


Todos ellos son nombres de jóvenes de una generación que sentía verdadera pasión por la música. Y ese amor por la música queda patente en la persona de Andrew, en su fuerte y continua lucha interior contra su adicción porque, entre otras cosas, cuando estaba "puesto" no era capaz de hacer lo que de verdad amaba: música. De hecho, "This is Shangrila" fue malinterpretada por algunos como el "subidón" al meterse heroína. No estaban tan equivocados en lo del subidón, pero a lo que la letra se refiere es a lo que sentía cuando estaba en el escenario tocando y se embarcaba en un viaje místico. Una especie de colocón natural a través de la música.

"Apple" es el agridulce punto final del legado de un músico con una actitud impecable en los escenarios y un talento musical enorme. Un disco que me hace pensar en lo que podría haber dado este hombre al mundo de la música si aún siguiese vivo. Una joya que sin duda se merece un mayor reconocimiento tanto por su calidad como por lo que significó para el Grunge, un movimiento social que, al igual que este blog, lleva la música por bandera.

"Let´s fall in love with music
the driving force in our living
the only international language"





  

lunes, 30 de marzo de 2015

the Straight story: music from the motion picture soundtrack

Tras haber dejado pasar dos oportunidades para mi primera aportación a Mermelada Sónica, quería aprovechar la recién estrenada sección de bandas sonoras para "infiltrarme" entre los turnos de esta semana y sumar una a la lista. Concretamente la que compuso Angelo Badalamenti para la película de David Lynch The Straight Story, nominada al Globo de Oro a la mejor banda sonora en 1999, año de su estreno. Así pues recojo el testigo de Alejandro para compartir una nueva propuesta de música vinculada al cine. Aquí tenéis el link para su escucha en Spotify.

La película biográfica de Lynch nos relata “un hecho real ocurrido en 1994, protagonizado por un anciano de 73 años, Alvin Straight, que viajó desde Laurens (Iowa), a Mt. Zion (Wisconsin), montado en su segadora John Deere. Alvin decide iniciar este viaje para reencontrarse con su hermano, el cual se encuentra gravemente enfermo y con el que no se habla desde hace más de 10 años. Dada su falta de visión y la escasez de dinero decide hacer él mismo el recorrido en su segadora. Un trayecto de cientos de kilómetros que Alvin tardó más de 6 semanas en realizar.” (fuente sinopsis: wikipedia)

El disco vino a mi mente de forma natural cuando recibí la propuesta del blog. Una música pausada, casi como una fotografía del paisaje por el que transita Alvin, acompañándole a su propio ritmo a lo largo de su recorrido. Un ritmo particular en el que me hizo pensar el paso para atrás que propone Mermelada Sónica. Del mismo modo que ocurre con el protagonista de The Straight Story, no es tan importante la velocidad como el objetivo que se propone.




Yo llegué a esta música a través de la película e inevitablemente cuando la escucho no puedo evitar ciertos recuerdos, imágenes que vuelven gracias a la capacidad evocadora del paisaje sonoro que nos brindó su autor. Con matices de folk y country pero sin renunciar al sello de la intensidad envolvente de sus teclados, Badalamenti nos invita a deambular por las anchas praderas entre Iowa y Wisconsin.  De todos modos y precisamente por su capacidad evocadora, me da la sensación que el disco puede ser un buen compañero de viaje para la imaginación en términos más amplios, se haya visto la película o no. 

El músico y compositor estadounidense de origen italiano ya había colaborado previamente con Lynch. Tanto en Blue Velvet (1986) como en Twin Peaks -serie que este año cumple el 25 aniversario de su estreno- la música también juega un papel muy importante y característico. Para ilustrarlo, un video en el que el propio compositor recrea el proceso creativo llevado a cabo junto con el director para unos de los temas principales de Twin Peaks. A modo de spoiler-curiosidad, en el video se hace referencia a una grabadora de cassette.

Música instrumental como intérprete sonoro de estados de ánimo y situaciones concretas. Espero que lo disfrutéis levantando el pie del acelerador. 


music from the motion picture soundtrack

the Straight story

a film by David Lynch

music composed and conduced by Angelo Badalamenti


Label: Hill Records ‎– 01934 11513-2
Released: 1999
Recorded at: Assymmetrical Studio, Hollywood, CA.

Tracklist:

01. Laurens, Iowa 
02. Rose's Theme                         

03. Laurens Walking

04. Sprinkler
05. Alvin's Theme
06. Final Miles
07. Country Waltz
08. Rose's Theme (Variation)
09. Country Theme
10. Crystal
11. Nostalgia
12. Farmland Tour

13. Montage

Credits:
Design [Package] – Sonny Mediana
Engineer [Scoring, Recording, Mixing] – John Neff
Producer, Composed By, Conductor, Orchestrated By – Angelo Badalamenti
Producer, Mixed By – David Lynch


'Tenderness can be just as abstract as insanity.'

(David Lynch)

viernes, 27 de marzo de 2015

RIP - No te muevas + Zona Especial Norte

El hecho de poner este disco es más sentimental que otra cosa. Sencillamente es un grupo de mi pueblo (Arrasate) y un disco que desde que salió hasta casi hoy en día todo joven de mi pueblo lo conoce. RIP y su disco No te muevas.



Como podéis ver, y la portada lo deja claro, es un grupo de Punk. Punk de los 80, en un mundo de drogas y represión que plasman en sus canciones. Entre ellas, os invito a oir las más conocidas: Enamorado de la muerte, Revolución, Anti-militar, Condenado o su versión de Lepoan hartu ta segi aurrera. Que cada uno saque sus conclusiones de cada una de ellas.

En mi recuerdo, siempre quedará el último concierto que dieron en Arrasate, con Portu muerto y sustituido por su hermano, donde el parque donde tocaron se llenó de gente de muchos sitios. ¡Y mucha gente volvió a sacar sus chupas guardadas en el armario para ir a verlos!

miércoles, 25 de marzo de 2015

Alt-J

El grupo que he elegido para estrenarme hoy aquí es Alt-J también conocido como delta (∆) que en los teclados de “la manzanita mordida” se puede escribir mediante “Alt+J”
Ésta es una banda inglesa de indie-rock. Debutaron en 2012 con “An Awesome Wavey de esta banda es mi disco recomendado, a mi opinión el primero y mejor de esta banda. En concreto canciones como “Breezeblock”, “Matilda”, “Flitpleasure” o “Interlude I o III”. Música relajante e intimista con coros casi eclesíasticos. Un disco que mezcla de forma muy adecuada un canto exótico, místico y moderno.

Curiosidad: Las portadas de los álbum de este grupo, son pinturas, seguramente hechas por ellos ya que ¾ partes del grupo estudiaron Bellas Artes en la Universidad de Leeds, dónde se conocieron.

Aquí pongo una selección de canciones de este disco cada cúal más variopinta:



¡Espero que os guste!

martes, 24 de marzo de 2015

The Mars Volta - Amputechture- (El paso - Texas)

Después de la entrada mas intimista presentada por Miguel, yo vengo a romper la dinámica y presentar un disco que espero os ponga a todos los pelos del culo como escarpias. 

El album en cuestión se llama Amputechture, de The Mars Volta. 

Como bloggero sónico desplazado a los USA, me siento obligado a presentar a algunos grupos que me parecen la caña ya desde hace años y que precisamente son originarios del estado en el que ahora resido. 


The Mars Volta, surgió a partir del quizás mas popular At the drive-in. Los dos integrantes principales, de ascendencia mexicana y carazterizados por sus pelos de polla, son el eléctrico Cedric, que pesé a haber pillado unos kilos sigue pegando saltos por el escenario como si estuviese poseído. Es el vocalista y hace gala de un registro vocal de agudos casi infinito, tirando de vibrato a la enésima potencia para mantener el tono. A su lado el que para mí realmente es el alma del grupo, Omar Rodriguez. Su técnica es impecable, pero sobretodo la complejidad de la música de The Mars volta tiene su origen en la creatividad de este guitarrista. Representa el estilo de Mars volta.

Mi interés por The Mars Volta comenzó hace unos años, cuando por casualidad navegando por internet, casi por error me topé con un directo de la canción Tetragrammaton.

Pocos segundos después de pulsar el play, seguía sin entender todavía muy bien lo que estaba sucediendo, era incapaz de procesar mentalmente aquello que veía y oía. En un espectáculo de luces y movimiento, parecía que cada músico tocaba de forma independiente a los demás aunque sin embargo todo encajaba dentro de una melodía. El batería aporreaba la batería a una velocidad endemoniada, como si en lugar de dos, poseyese ocho brazos. Sin embargo todo cuadraba, la canción evolucionaba y por momentos culminaba en un himno. Luego aparentemente se descontrolaba de nuevo, y así sucesivamente, en pugna constante con el mas absoluto Kaos contenido. La sensación era la de estar frente a algo parecido a una de esas películas que tienes que ver un par de veces para poder realmente entender que es lo que ha sucedido!



Hay que decir que The Mars volta es un grupo que requiere ser paladeado despacio, dada la densidad acústica de casi todas sus canciones. 
Las letras por otro lado no son gran cosa, pero la voz se funde perfectamente con dicha cacofonía infernal a la perfección. El grupo, categorizado como rock progresivo por los elementos que lo componen, a veces en su descontrol yo diría que hace guiños al post-jazz (véase en Tetragrammaton, otro ejemplo de descontrol controlado), al son cubano (véase https://www.youtube.com/watch?v=JphZtpafdKY), y la psicodelia o el surrealismo musical (reverbs, ecos, sonidos hipnóticos entremezclados). Generalmente casi todas las canciones parecen contar una historia, que además suele atravesar diferentes estadios. Importante recordar que tal historia está en la música, no en la letra, por eso ponernos a traducir las letras tampoco nos va a aportar demasiado. El potencial de The Mars Volta es su sonido. Como principal defecto diría que es aquello que considero también su principal virtud: A veces en su virtuosismo pecan de exceso, y la obra se desfigura, puede llegar a saturar (aunque en contadas ocasiones).



También hay que decir que tienen canciones más sencillas instrumentalmente, pero de profundidad desgarradora y geniales, como por ejemplo Asilos Mágdalena, que es una de mis favoritas.


El significado conceptual del disco es incierto, según Cedric:

"Este álbum está basado en el miedo a Dios en vez del amor a Dios que va de la mano con el Catolicismo... Para mí, la religión es la razón por la que hay tantos conflictos en este mundo y pienso que es tan innecesario creen en el Dios de ojo azul, barba blanca y pelo canoso. Amputechture es mi manera personal de describir la iluminación o sólo la celebración de esta persona que es un chamán y no un loco. Va sobre la glándula pineal y cómo ciertos elementos que imitan una experiencia de DMT y cómo podemos acercarnos a la cura del cáncer y el sida si estamos más sintonizados con lo que sucede en la selva tropical."

y por qué Amputechture? Según Omar:

"Esta palabra ha estado con nosotros durante mucho tiempo y queríamos utilizarla para algo muy importante. Para nosotros, este tercer álbum es muy importante y... No sé exactamente qué significa, pero el sonido de la palabra nos hace sentir bien."

Ahí queda! qué cada uno saque sus propias conclusiones... quizás surrealismo?

Para terminar, la canción que yo creo que podría definir The Mars volta en su pura esencia, con todos sus elementos es Day Of The Baphomets (link abajo)

Gigante ya el solo del bajo al inicio de la canción. Este tema hay que escucharla entero, porque como otras canciones de The Mars volta, ni termina como empieza ni empieza como termina. 


pura tralla. Qué aproveche.

alexis

viernes, 13 de marzo de 2015

Bruce Springsteen - Nebraska



Reconozco que una de las cosas que más me ha gustado de esta gran idea de Letes, además del maravilloso intercambio, es la idea del álbum por encima de todo.

Hace tiempo, en pleno nacimiento de spotify y consolidación de iTunes y los demás medios que forman hoy nuestro día a día, le di muchas vueltas al tema. Cada vez más música, pero cada vez todo más rápido, al tiempo que se perdía el concepto de disco tanto física como, sobre todo, conceptualmente. Ya no teníamos tiempo para esa adoración por un álbum que rayabas de tanto ponerlo. Tener muchísimo más para, en ocasiones, tener menos.

Desde entonces sólo llevo un disco en el iPod. Y dándole más vueltas, me hice con un viejo reproductor de casette. Junto a él, además de recuperar cintas antiguas, comencé a incorporar otras nuevas. Prácticamente hice acopio de cintas vírgenes, no fueran a acabarse las últimas unidades del chino.

El primer cd que metí en este camino inverso a las prisas fue Nebraska.

Bruce había grabado las demos originales en su casa aislada en un bosque de New Jersey, utilizando solamente una vieja grabadora de cuatro pistas y con la única instrumentación de su guitarra, su armónica, y otros pequeños instrumentos (mandolina, pandereta…). Después se metió en el estudio de grabación con la E Street Band, pero pronto pensó que la instrumentación de la banda rompía el concepto folk con el que sonaba el disco en su cabeza.

Peleas con la discográfica aparte, Bruce se empecinó en publicar el álbum sólo con sus demos caseras, y la idea derivó en una complicado proceso técnico (1982) en la masterización de las cintas originales, dado al bajo volumen de las mismas.

En mi caso, al pasar el sofisticado CD a la cinta, esperaba poder encontrar de nuevo ese ruido que tanto defendía Bruce en su cabeza al recoger el ambiente de su casa. Reconozco, frikismo absoluto, que esa idea la he seguido llevando adelante con muchos discos clásicos más, pues antes de la digitalización siempre había más ruido, y creo que no hay mejor soporte para ello que los viejos casettes.

Nebraska es un disco oscuro, lleno de un puñado de canciones por las que van a apareciendo delincuentes comunes, asesinos sin escrúpulos, mafiosos, psicópatas, trabajadores en paro desesperados (tan de Johnny Cash que el propio Johnny Cash acabaría versionando), huidas de la justicia, historias cinematográficas como la de los hermanos Roberts (Viggo Mortensen llevó al cine la propia Highway Patrolman), y temas tan springsteenianos como el regreso a la infancia y la carretera como horizonte con la chica que espera. Con una atmósfera general muy de los hermanos Coen.
 
Reconozco que Nebraska me va mucho con el estado de ánimo. En ocasiones lo adoro. Otras tantas me parece demasiado plano. Pero siempre me reconcilía el viejo casette sonando en la noche.
 
Y cualquier momento es bueno para perderse por Atlantic City.
 


«Estaba grabando canciones para el siguiente álbum de rock, y decidí que lo que siempre me llevaba más tiempo en el estudio era componer. Podía ir ahí, y no tenía el material escrito, o no estaba lo suficientemente bien escrito, de modo que grababa durante un mes, tenía un par de cosas, iba a casa a escribir más, grababa otro mes. No era muy eficiente. Así que esta vez, cogí una grabadora de cuatro pistas y me dije: "Voy a grabar estas canciones, y si suenan bien conmigo mismo haciéndolas, se las enseñaré a la band". Podía cantar y tocar la guitarra, y luego tenía dos pistas para hacer algo más, como sobregrabar una guitarra o añadir una armonía. Iban a ser demos. Luego tenía un pequeño Echoplex y las mezclé un poco, y eso fue todo. Esa fue la cinta que se convirtió en disco. Finalmente pensamos: "Oh, ese es el álbum". Técnicamente, fue difícil tenerlo en disco. El material fue grabado de manera extraña, la aguja leía mucha distorsión y no seguía la cera. Casi tuvimos que publicarlo como casete».

Bruce Springsteen. Entrevista revista Rolling Stone, 06.12.1984

Artículo en Jot Down con motivo del 30 aniversario del disco: http://www.jotdown.es/2012/01/bruce-springsteen-30-anos-de-nebraska/
 
 
BRUCE SPRINGSTEEN -NEBRASKA
 
Released: September 30, 1982
Recorded: Mostly January 3, 1982 at Springsteen´s Colts Neck, New Jersey bedroom
Label: Columbia
Producer: Bruce Springsteen
 
Sideo one
1.      Nebraska
2.      Atlantic City
3.      Mansion on the Hill
4.      Johnny 99
5.      Highway Patrolman
6.      State Trooper
 
Side two
7.      Used Cars
8.      Open All Night
9.      My Father´s House
10.  Reason to Believe
 
Bruce Sprinsteen – vocals, guitar, harmónica, mandolin, glockenspiel, tambourine, organ, synthesizar, production.
 
Production:
Mike Batlin – recording engineer
David Michael Kennedy – photography
Dennis King – mastering
Andrea Klein - design