Q65 - Trinity

Q65 es un grupo de rock holandés de mediados de los 60.

El disco "Trinity" lo publicaron en el 97 y es un acústico sin bajo ni batería con toques más blueseros.

Entrada corta para un disco enorme. Espero que os guste.

¡Abrazos!

Ian Anderson - The Secret Language of Birds

"The Secret Language of Birds" es el tercer disco en solitario de Ian Anderson, alma máter de Jethro Tull.

Desde sus inicios a finales de los 60, la música de Jethro Tull ha ido evolucionando con el paso de tiempo hacia lo que les ha dado la gana en cada momento, de manera que hay una gran variedad de estilos entre sus más de 30 álbumes.

Publicado en el año 2000, este disco suena al Jethro Tull más acústico, del estilo del "J-Tull Dot Com", en el que encontramos música más relajada, con el folk muy presente y con ciertos matices de música oriental en algunos de sus cortes.

Letras y melodías que evocan maravillosas historias y paisajes con una gran naturalidad.

A fecha de hoy, Jethro Tull está de gira con su espectáculo "Jethro Tull: The Rock Opera", donde podemos escuchar los temas más emblemáticos del grupo y canciones de los discos de Ian Anderson en solitario.

Después de haber podido disfrutar de este directo he de decir que este hombre está hecho un chaval. Lejos quedan ya las melenas zarrapastrosas y la cara de loco poseído (link) (durante "Living in the Past" proyectaron en la pantalla un vídeo de un primer plano suyo tocando la misma canción en los 70), pero os aseguro que la energía, el amor por la música, la perfección en todo lo que hace y hasta las cabriolas tan características encima del escenario siguen ahí para gran disfrute del personal.

Gente, estamos ante un genio. Así que nos quitamos el sombrero, nos quedamos con Ian Anderson y aprendamos el idioma secreto de los pájaros.

There was no master plan but the fact is

you must stay with me and learn the secret language of birds

John Zorn - At The Gates of Paradise

Si hay que definir con un adjetivo a John Zorn, sería "prolífico". Con su nombre presente en más de 400 discos como intérprete o compositor, tocando todos los palos (jazz, avant-garde, klezmer, hardcore, bandas sonoras, clásica...) e incluso con su propio sello discográfico, "Tzadik", se me hace imposible hacer una pequeña síntesis de lo que este hombre a dado al mundo de la música.

Aquí os dejo a nuestra amiga Wikipedia para que os hagáis una idea de por qué se le puede considerar un todoterreno humano.

Y unos cuantos vídeos de varios de sus proyectos en estilos muy diversos.

Bar Kokhba Sextet

Moonchild Trio

Electric Masada

Filmworks

A lo Mike Oldfield

Y es precisamente esta última faceta la que quiero compartir con vosotros. Quizás la más "fácil de escuchar" y la más mística.

Piano, bajo, batería y vibráfono para unas composiciones jazzeras, clásicas y ambientales con un maravilloso toque etéreo que os hará liberar vuestras mentes.

Como anécdota, fui a comprar el disco y a la hora de pagar, la dependienta (tan dicharachera como siempre) me contó que acababa de llegar un envío de la discográfica de John Zorn, que por lo visto ya hacía tiempo que habían pedido y tardaba demasiado. Al llamar para preguntar por el retraso le dijeron que no podían mandarlo porque el señor Zorn todavía no había dado el visto bueno, que tenía que estar presente en todo lo que pasase dentro de la empresa,

Quizás solo fuese una excusa porque les había pasado algo, pero a mi me gusta pensar en este buen hombre que no deja de crear y de tocar y que todavía le quede tiempo para poner los envoltorios a los discos que manda a las tiendas de discos.

Disfrutadlo y os animo a seguir descubriendo a este maestro de maestros.

¡Abrazos!

Ari Hoenig - Lines of Oppression

Ya lo recomendé en la primera entrada del blog a modo de apunte, pero creo que bien se merece una página para él solito en el álbum musical de la mermelada sónica.

Ari Hoenig, baterista de Philadelphia, un experto de la polirritmia, un maestro dibujando melodías con la caja de la batería y los toms (una muestra), un extraterrestre del ritmo y un showman con una gesticulación (podríamos decir que es el Gárgamel del jazz) y una energía encima del escenario que contagia a cualquiera que esté alrededor. En definitiva, para mi, uno de los grandes músicos actuales que hay que escuchar.

A todo esto hay que sumarle la guitarra enérgica y electrificante del israelí Gilad Hekselman, haciendo honores a esa generación de guitarristas influenciados por Kurt Rosenwinkel, el bajo de Orlando le Fleming, un hombre que está sonando mucho en los clubs de Nueva York y, por supuesto, el piano de Tigran Hamasyan, mi querido armenio con quien me podría deshacer en elogios.

Una formación de lujo para un disco en el que todos dejan su marca personal y donde se puede encontrar una participación igualitaria de cada uno de ellos.

Escuchadlo, disfrutadlo y si os apetece, comentadlo.

¡Abrazos!

Kiran Ahluwalia - Kiran Ahluwalia / Astrio - Deplazamiento

Ocurrió que leyendo una revista descubrí a una cantante que me encantó. Y buscando por internet vi que había un disco suyo en la biblioteca. Así que para el carrer del Carme que me fui convencido de encontrarlo en la sección de "Músiques del Món", apartado de "Àsia i Oceania", probablemente en "Índia" y en la pestaña con la letra "K" de Kiran o "A" de Ahluwalia.

Y mientras iba con la bici contaminado por la omnipresente urgencia de las calles principales de Barcelona, pensaba en lo maravilloso de ese orden impecable de las bibliotecas que haría que no perdiese más tiempo del necesario buscando lo que iba a buscar.

Primera vuelta y el disco no estaba. Segunda vuelta ampliando a "Pakistan" y res de res. Momentos de confusión, mirada al reloj y toma de decisiones. A tomar por culo. Si el disco está en la biblioteca, voy a encontrarlo. Empiezo por la "A" de "Pop-Rock" y no pararé hasta llegar a la "Z" de "Música Clàssica". Voy a encontrar el disco aunque esté entre las revistas de cocina.

Voy pasando los cajones y me voy acordando de los familiares cercanos de los que no ordenan las cosas como está mandado. Pero según se me va pasando ese estúpido sentimiento, empiezo a disfrutar de la búsqueda y voy descubriendo tesoros ocultos a los esclavos de la prisas.

Entre otros descubrimientos, aparece un recuerdo de una noche mandanguera. Festival Cruïlla de 2012, fin de semana de Iggy Pop, The Specials y Cypress Hill. Pero también, como siempre en este festival, de alguna que otra sorpresa. Compartiendo horario con otra de las cabezas de cartel, M.I.A, tocaban unos catalanes, Astrio. Había que decidir y, como otras muchas veces, me dejo llevar por ciertos duendes de la madrugada. Me prometen algo nuevo y no me defraudan. Salgo de la pequeña carpa con una sonrisa que indicaba que había tomado la decisión correcta. Me lo pasé en grande. Esos catalanes y su jazz/electrónica/pop/rock a lo Daft Punk sabían lo que se hacían y la puesta en escena me encantó. Fin de festival en casa de los duendes disfrutando de sus brebajes mágicos salpicados de conversaciones pro/anti/melasuda-independentistas y firmando en secreto (hasta para nosotros) la fundación del primer club de fans de Astrio.

Sigo buscando entre los cajones y por fin aparece el ansiado "Wanderlust" de la cantante india Kiran Ahluwalia. Hoy comparto con vosotros su disco "Kiran Ahluwalia" porque me gusta más. Mezcla de Gazal, folclore punjabi y música occidental me fascinó desde que lo descubrí. Aquí podéis seguir las letras de las canciones.

Salgo de la biblioteca más tarde de lo que esperaba, pero contento y convencido de que no podía haber aprovechado mejor ese tiempo, porque me llevaba, además del tesoro que iba buscando, alguna que otra sorpresa con la que no contaba.

Moralejas:

- La intoxicación por las prisas de los tiempos modernos a las que a veces nos vemos arrastrados consiguen que pasemos por alto detalles que pueden alegrarnos el día. Sé que suena a tópico, pero tenemos que aprender a disfrutar del camino y no sólo de la meta.

- Hay veces que ciertos duendes mágicos nos indican el camino hacia preciosos secretos. Rompamos los prejuicios y descubramos nuevas fronteras que puede que nos sorprendan con preciados tesoros.

Os dejo con estos dos discos que han protagonizado esta anécdota. Espero que los disfrutéis.

P.D. Hay excepciones del disco de Astrio que me parecen bastante malas, tirando a música Inditex (sí, una más de las razones por las que da por culo ir a comprar a esas malditas tiendas de ropa). Pero en conjunto, el disco me parece bueno.

Kokoshca - Hay una luz (2013)

Kokoshca es un grupo de Pamplona que con solo dos LP's se ha hecho un hueco entre los grupos más influyentes del rock independiente patrio. Aquí os presento el segundo de sus discos. ¿Por qué? Pues porque el "jefe" está de vacaciones y porque no hace muchos días en un concierto versionaron una de sus canciones y enloquecí. Así que para quien me viera, aquí está el motivo.

De hecho esa canción se llama "No volveré" y abre el disco. Cantada por Amaia, es un hit potente y luminoso.
En contraposición, los dos siguientes cortes son mucho más oscuros y siniestros. El disco oscila siempre entre ambos estilos. Como curiosidad, el tema "Prefiero golpes", es un recadito a otro grupo con mensajes nada velados como "os colasteis sin ningún talento".
El cuarto tema es "Directo a tu corazón", fue el primer single del disco (videoclip), cuenta con unas guitarras hipnóticas y es una de las canciones más sensuales (y sexuales) que he escuchado últimamente.
¿Qué decir del quinto tema? Algunos lo han comparado con "Walk On The Wild Side" y en sus siete minutos relata la historia de una noche un tanto especial. Un par de cortes más adelante revisan esta canción pero del revés (literalmente) y es uno de los únicos peros que le puedo poner al disco, ya que marca un pequeño declive.
Las dos últimas canciones son de traca. "El búho" es un hit instantaneo a la vieja usanza, mientras que "Las flores del fin del mundo" es un regalo. Escuchar a "El drogas" en plan crooner no tiene precio y sella un final espectacular.

Gary Burton, Pat Metheny, Steve Swallow, Antonio Sánchez - Quartet Live

Otra de las maravillosas sorpresas que nos trae el festival de jazz de Barcelona este año es este pedazo de músico. Si os habéis fijado en el título de la entrada os estaréis preguntando a cuál de esos cuatro musicazos me refiero. Y es que son cuatro maestros de sus instrumentos.

Me abría encantado cualquiera de ellos pero en este caso estamos hablando de uno de mis baterías preferidos: Antonio Sánchez.

De origen mejicano, se mudó a Boston a estudiar en la Berklee College of Music y empezó una carrera estratosférica tocando con gente como Paquito D´Rivera o Danilo Pérez.

Tiempo después, Pat Metheny le sumó a su grupo, el "Pat Metheny Group", como baterista permanente, además de contar con él para proyectos como el "Pat Metheny Trio".

Gracias a demostrar con el gran guitarrista de lo que era capaz de hacer, se une al !Gary Burton Quartet" para hacer una gira por Japón y Estados Unidos. Y este disco es el resultado de esa gira en la que compartió escenarios con el vibrafonista Gary Burton, el guitarrista Pat Metheny y el bajista Steve Swallow.

Además, después de cuatro discazos con composiciones propias ha dejado bien claro que lo de componer también va con él. Para su último disco, "The Meridian Suite", está acompañado de la banda con la que lleva trabajando desde 2011, Migration, y es esta formación la que vendrá a Barcelona en Noviembre.

Últimamente se ha hecho muy famoso gracias a la genial y arriesgada banda sonora de Birdman.

Pues eso, hablamos de un disco con cuatro monstruos haciendo un jazz moderno magistral.

Como muestras, en el tema "Syndrome" podréis escuchar el gran trabajo de acompañamiento que hace Antonio detrás del solo de Gary Burton o disfrutar del solo que se marca en el último tema, "Question and Answer", una composición de Pat Metheny que está entre mis favoritas del disco. Ojo al final de esta canción, cuando después de los solos vuelven al tema pero, en vez de acabar, se dedican a seguir improvisando hasta que, según me imagino, el público estaría de pie con las manos en la cabeza.

Y, cómo no, para mi la número uno, la preciosa "Olhos de gato", compuesta por Carla Bley (dicho sea de paso, pareja de Steve Swallow) e interpretada con una sensibilidad increíble por parte de cada uno de ellos.

Para acabar, aquí os dejo un clinic que me gusta mucho de Antonio Sánchez en el que explica sus inicios como baterista y da unas muy buenas lecciones sobre el uso de los silencios, las dinámicas, el desarrollo de los motivos y el saber escuchar al resto de tu grupo para tener una conversación con ellos.

Para mi, un fuera de serie. No dejéis de escuchar sus discos como líder porque son muy buenos. La razón de poner este ha sido porque fue con el que el descubrí, y porque me parece una obra maestra.

¡Disfrutadlo!

Fatoumata Diawara - Fatou

Es tiempo de toma de decisiones. Salen a la luz nuevas confirmaciones para el festival internacional de jazz de Barcelona y es el momento de mirar la cuenta bancaria y hacer balance para saber lo que me puedo permitir este otoño. Ardua tarea la de elegir entre semejantes monstruos.

Así que empiezo con ésta una serie de entradas al blog en las que resaltaré lo que, para mí, serán los platos fuertes del festival. Algunos de ellos los anunciaré con una alegría enorme, porque podré decir "¡allí estaré!" mientras me muerdo las uñas esperando ansioso que llegue el día, y otros estarán salpicados por alguna lagrimilla que se me escapará por saber que no se puede ir a todo, mientras me muerdo los dedos enteros para no darle al botón de comprar.

Y la primera de las recomendaciones viene con una sonrisa de oreja a oreja. ¡Fatoumata Diawara!

Se trasladó desde Mali a Francia de joven para empezar su carrera como actriz. Después de un tiempo participando en unas cuantas películas y obras de teatro cogió una guitarra y se puso a componer y a cantar. Fue en 2011 cuando publicó este disco, "Fatou", creando a través de la música Wassoulou una atmósfera que atrapa, desde el principio hasta el final.

Y para el evento en cuestión viene acompañada del pianista cubano Roberto Fonseca, un pedazo de músico que tomó el relevo al piano en el Buena Vista Social Club, y con un proyecto musical propio donde mezcla música cubana, clásica y jazz con mucha personalidad.

De momento han sacado un EP en directo, "At home", donde están acompañados de músicos cubanos y de Mali haciendo una mezcla de música africana y cubana muy llamativa.

Os dejo con el discazo de Fatoumata Diawara, "Fatou", que espero que os cale muy hondo.

Y aquí, un pequeño aperitivo de lo que espero escuchar en Noviembre en directo.

Cabrón - La Cabra Mecánica

Hola chicos, esta es mi primera entrada en el blog, y lo hago con uno de los discos que me gusta escuchar de principio a fin, degustando cada una de sus canciones.

El disco que he elegido es Cabrón. Se trata del segundo albúm de estudio de Miguel Ángel Hernando Trillo, más conocidos como Lichis, con su proyecto La Cabra Mecanica, en el que había diferentes músicos, pero él tenia el mayor peso a la hora de componer tanto la letra como la música. Ante el éxito de su primer disco, y obteniendo una mayor libertad creativa, realiza este disco con un estilo marcadamente más personal. Se trata posiblemente del disco menos comercial, pero el más interesante, tanto por las ácidas letras del Lichis, como por la variación de estilos de las diferentes canciones, en las que se hace referencia a las influencias musicales del autor (Desde Bob Dylan a Charly Garcia). Un disco para con grandes temas que os emocionaran, como la canción "Agua" de toques flamencos, o "Como un animal" realizada en falso directo.

Os animo a escucharlo y a que lo disfruteis!


https://www.youtube.com/watch?v=2Raf4RXDbZA&list=PLVmxZ3wfYMNMPHATeNwnCGiWzQEdzHZZj

Daniel Higiénico - 6000 Millones

Daniel Higiénico, un cantautor que narra historias cercanas de forma sencilla, en una prosa clara y sincera sin artificios añadidos, con un toque de ironía y un sentido del humor muy particular.

En este álbum, 6000 millones, encontramos blues, jazz, dixieland y mucho mucho swing. Todo ello conseguido gracias a unos colaboradores de aúpa: Julian Kanevsky (Def Con Dos, La Cabra Mecánica, Calamaro), a la guitarra, David Carrasco (Muchachito Bombo Infierno) al saxo y El Lichis (La Cabra Mecánica) al bajo y como productor.

Temas como "Yo quiero hablar como un argentino", "El camarero" o "Nunca es demasiado" nos hacen pasear por un universo que no nos resultará extraño y que sentiremos como nuestro con mucha facilidad.

Y por último comentar que este hombre también escribe novela. Aquí podéis ver la promoción de su libro "El Paseo Infinito".

Espero que lo disfrutéis.

Buenas Noches Rose - Buenas Noches Rose + La Danza de Araña

Buenas Noches Rose es un grupo de Alameda de Osuna (Madrid) que se formó en 1995 haciendo versiones de grupos como Led Zeppelin. Pronto grabaron su primer disco, "Buenas Noches Rose", en una discográfica italiana casi desconocida y ya desaparecida, con poca producción y sacando un sonido visceral y "sin trampa ni cartón". Riffs de guitarra de rock duro, líneas contundentes en la parte rítmica y una voz desgarradora. Digno de ver en directo.

 

A destacar canciones como "La leyenda del lobo cantor", "Del mismo modo" o "Flor de Espinas".

En 1997 les contrata la discográfica BMG para grabar su segundo disco, "La Danza de Araña", que sonaba a un rock más bluesero y con unas letras y composiciones dignas de escuchar muy atentamente. Desde luego, la producción fue mucho mejor en este caso y se nota en el resultado.

 

Aquí tenemos temazos como "Madre", "Marrón", "No Me Importa Morir Descuartizadoen tus Manos Estimada Hermana (Presidenta) (Pero)" o "Hombre deArena". Letras psicodélicas, de crítica política, de amores y desamores, para todos los gustos.

Personalmente, me gusta más el segundo disco, pero hay canciones del primero que no puedo dejar de recomendar, así que eso que os lleváis. Hoy, ¡doble regalo!

Y como anécdotas contaros que pasó con esta gente después de estos discos. En mitad de una larga gira en la que llegaron incluso a telonear a los mismísimos Deep Purple, el cantante Jordi "Skywalker" deja el grupo alegando una crisis en lo profesional y en lo místico y se va a la montaña a buscarse a sí mismo con su pareja y un hijo en camino.

El resto del grupo siguió tocando tomando Alfa el relevo a la voz y siguiendo con la guitarra. Grabaron un tercer disco, "La estación seca", esta vez autoproducido, y después el grupo decidió disolverse siguiendo cada uno su camino. Entre ellos, Alfa (guitarra y después voz) acabó en "Le punk" y Rubén Pozo (guitarra) y Rober Aracil (batería) en "Pereza".

En cuanto a Jordi "Skywalker", se fue a Cádiz a empezar un viaje cósmico y a recorrer las playas con una furgoneta y vendiendo lo que hacían, pintaban. En fin, todo muy hippy. Nació su hijo y se establecieron en La Alpujarra, Granada. Como dijo él, en "reconciliación con la madre tierra". Era el tiempo de la guerra de Irak y para protestar empiezan una "caravana andante de paz" con su familia, una yegua, un caballo y un burro hacia Noruega. Al poco de salir, el caballo se cae por un barranco y es el fin del viaje. Se quedan a vivir con unos mongoles en sus tiendas de campaña hasta que se va a trabajar a Francia como burroterapeuta para personas con problemas físicos.

Después de tres años deciden volver a Andalucía, pero esta vez en un carromato tirado por burros. Finalmente se queda en Tarazona, a las faldas del Moncayo a vivir en el carromato.

Graba un disco dentro del carromato con energías renovables, "Corazón de padre atómico", y se va de gira en el carromato hasta Vitoria tocando por donde pueden y les dejan.

Perdón por enrollarme, pero me parecía que esta historia merecía la pena. ¡Impresionante!

Aquí podéis ver toda la gira en burro; también hay al final un vídeo resumen por si no queréis tragaros todo.

Espero que os gusten los discos y hayáis disfrutado con las aventuras del Jordi Skywalker. Para mi es una entrada que tenía que estar sí o sí en el blog.

¡Abrazos!

William Elliot Whitmore- Ashes to Dust

A las buenas!
Llevo tiempo queriendo subir algo pero no me decidía! Finalmente aquí os dejo Ashes to Dust, el tercer álbum de estudio de William Elliot Whitmore. Cantante estadounidense que valiéndose únicamente de un banjo o una guitarra interpreta estos temas con toques folk, blues y country alternativo tan pegadizos! En algunos temas suele ir acompañado de un bajo y una batería, un sonido bastante simple pero con gran personalidad, que ha ido ganando fuerza con el tiempo, colaborando con artistas como Chris Cornell y Frank Turner. El mayor éxito llegó con el álbum "Animals in the dark" (2009), elegido entre los 50 mejores discos del año.

La canción número 2 del álbum "The day the end finally came", por alguna extraña razón no he podido encontrarla, y la he sustituido por "One man´s shame", una de mis preferidas. Como adelanto podéis ir escuchando "Diggin' my grave", la primera canción que llegó a mis oídos y que sigue en mi top ten del artista pasado el tiempo.  https://www.youtube.com/watch?v=nECtWsah2po

Por último, y como va a ser cortito porque tengo más ganas de compartir que de escribir (supongo que a todos nos pasa y cuando no tengamos tiempo de elaborar una entrada podemos subir la música del tirón y que cada cual juzgue), os enlazo una Banda Sonora de Mark Orton, "Nebraska" .https://www.youtube.com/watch?v=5wsZWGdz1P8&index=18&list=PLYTXtEXZEhbe5VCdaSF84bw2BYTI6lJdl

 Nombre que no se ha escuchado apenas en el blog, lo sé! Pero siempre que veía vuestras entradas me venía a la mente esta Banda Sonora de la más que recomendable Nebraska de Alexander Payne, sencilla pero cautivadora como la de Springsteen.

Espero que disfrutéis del álbum, de la peli y de su Banda Sonora, un abrazo pegajoso!

William Elliot Whitmore- Ashes to Dust (2005)

1. "Midnight" – 3:34
2. "The Day the End Finally Came" – 4:18
3. "When Push Comes to Love" – 3:50
4. "Diggin' My Grave" – 4:06
5. "The Buzzards Won't Cry" – 2:22
6. "Sorest of Eyes" – 3:30
7. "Lift My Jug (Song for Hub Cale)" – 3:36
8. "Gravel Road" – 3:52
9. "Porchlight" – 5:47

Personal: 

• William Elliott Whitmore – vocals, guitar, banjo
• Zach Action – bass
• Jay Thomas Dandurand – drums

Cannonball Adderley - Somethin´ Else

Ya me tocaba recomendar algo de jazz, y no lo hago con un disco cualquiera, sino con "Somethin' Else".

El álbum fue grabado en 1958 con el saxofonista Cannonball Adderley como líder y cuenta con Miles Davis de sideman. Sin duda, un invitado de lujo en una grabación magistral.

Siendo un "imprescindible" para los amantes de jazz, se han escrito miles de reviews y artículos sobre este disco. Así que buscad un poco y encontraréis mucho que leer.

Como recomendación. escuchad este podcast de "A todo jazz" en el que, además de escuchar el álbum, podréis disfrutar de los comentarios del gran Juan Claudio Cifuentes, "Cifu" para los amigos, fallecido en marzo de este año y al que admiro enormemente.

Una joya del hard bop a la que vuelvo una y otra y otra vez, y que os recomiendo que disfrutéis, a poder ser, en copa de balón y con bien de hielo.


Canciones

1 - Autumn Leaves 10:55
(J. Kosma - J. Mercer)

2 - Love For Sale 7:01
(Cole - Porter)

3 - Somethin´ Else 8:11
(Miles Davis)

4 - One For Daddy-O 8:21
(Nat Adderley)

5 - Dancing in the Dark 4:03
(A. Schwartz - H. Deitz)

6 - Bangoon 5:05 *
(Hank Jones)

* Not part of the original album


Personal

Cannonball Adderley - Saxofón alto

Miles Davis - Trompeta

Hank Jones - Piano

Sam Jones - Bajo

Art Blakey - Batería

Eskorzo - Paraísos Artificiales

Paraísos Artificiales es el cuarto disco de estudio de los granadinos Eskorzo.

Un grupo que representa perfectamente lo que significan las palabras fusión o mestizaje. Unos tíos que siempre han hecho lo que les ha apetecido evitando encasillarse en un estilo determinado, lo que hace que encontremos mucha variedad tanto dentro de cada disco, como entre diferentes trabajos. Eso sí, dejando bien clara la marca de la casa en cada tema, ese sonido Eskorzo que les hace inconfundibles.

Y es quizás en este disco donde más se haya notado esta variedad. Dejan bien patente su falta de prejuicios con colaboraciones que van desde Lori Meyers ("Paraísos Artificales") hasta Hora Zulú ("Estoy mucho mejor").

El título viene del ensayo del mismo nombre de Baudelaire sobre su experiencia con hachís y opio como búsqueda de las musas. Aquí, esta idea está extrapolada a cualquier vía de escape de la realidad que cada uno se busca en determinados momentos.

Si bien es verdad que se notan unos toques más poperos que en discos anteriores, también hay sonidos de sintetizadores, mucho rock y hasta un tema a lo Tom Waits ("Desacordes acordados") que pone el broche de oro a un disco en el que, estoy convencido, todos  encontraréis por lo menos un trocito que os haga pensar: "¡pues suenan bien estos granaínos!"

En 2014 sacaron otro disco, "Camino de fuego". Para disfrutar toda su discografía, tienen colgados todos los discos en su web.

Y si de verdad queréis disfrutarlos a tope, no dejéis pasar la oportunidad de ver su directo. ¡Energía pura!

Lo dicho, música sin prejuicios para un blog sin prejuicios.

¡A disfrutarlo!

Triángulo de Amor Bizarro- Victoria Mística (2013)

Hoy os traigo Victoria Mística de Triangulo de Amor Bizarro. Es su tercer disco. Y entre ruido, guitarras distorsionas y melodías oscuras se abre paso algún momento más popero que en sus anteriores trabajos.

Eso sí, a TAB les gusta ir al grano. No busquéis largas letras, más bien alguna bofetada.

Como en Robo tu tiempo, donde sueltan ese "guillotina" entre ruidos de sierra y saxos descontrolados.

O en Ellas se burlaron de mi magia, quizás uno de los momentos más esperados para algunos en los conciertos para gritar ese "vamos a follar".

Pero los 30 minutos que apenas dura el disco también dan para canciones con melodías pegadizas. Para mí destacan De la mano de las almas oscuras y sobre todo Estrellas místicas.

Mezcla de estilos y de temas, que van de la crítica social y política a la caricatura de algún compañero de profesión.

Disco breve, reseña breve. Espero que os guste.

B.B. King & Eric Clapton - Riding With The King

Ha muerto el Rey del Blues y Lucille se queda muda. Triste noticia. Por suerte nos queda toda su música y su gran influencia en tantísimos músicos.

A mi me queda el consuelo de haberle escuchado en directo en la plaza de toros de Salamanca en verano de 2002. Espectacular.

Como pequeño homenaje, aquí os dejo uno de mis discos preferidos de este grande (y muy bien acompañado).

B.B. King, descansa en paz.

Modrý Efekt & Jazzový Orchestr Čs. Rozhlasu - Nová Syntéza

Modrý Efekt (o lo que es lo mismo, Blue Effect) son un grupo checo de rock progresivo nacido en Praga a finales de los años 60.

En este disco les tenemos con la Orquesta de Jazz Checoslovaca en una fusión bastante interesante entre una banda de rock y una big band de jazz.

En vez de introduciros el disco, espero que lo escuchéis y que cada uno saque sus propias conclusiones.

Por supuesto, a mi me encanta, y no solo por lo musical, sino por los recuerdos que me trae cada vez que lo escucho. De hecho, si he decidido compartirlo es por hacer un homenaje a la persona que me presentó este y otros muchísimos discos.

Marian Markovič, compañero de trabajo en Bratislava y, sin lugar a dudas, el mayor amante de la música que he conocido y la persona que más me ha transmitido esa contagiosa pasión por la música. Un tío que apenas conocía alguna palabra de inglés mientras que yo apenas sabía dos palabras de eslovaco y, sin embargo, con quien más tiempo pasé durante mi año allí y con el que logré un entendimiento maravilloso basado en la música (con el tiempo él aprendió un poco más de inglés y yo un poco más de eslovaco y hasta llegábamos a tener conversaciones sin necesidad de traductor).

Y, también hay que decirlo, un graaaaan amante de la cerveza checa y los licores eslovacos y checos. Así que siempre, mientras me descubría grupos y me hablaba de músicos desconocidos para mi, nos poníamos finos filipinos.

Cuando me presentó este disco era una tarde como otra cualquiera. Un día entre semana que íbamos a ir a un concierto a eso de las 10, así que después de comer decidimos que ya habíamos trabajado suficiente y que había que "prepararse" para el concierto. Cogimos las Pilsner Urquell calenticas de la "cocina" y una botella de Fernet, escogió un disco de la estantería llena de cedés, nos sentamos en las sillas del despacho y empezamos a ponernos chupitacos y cervezacas cedé tras cedé. Después de unos cuantos discos (y brindis) y ya con una tajada considerable se le iluminó la cara y me dijo que me iba a poner su disco preferido. Cogió el Nová Syntéza, puso el volumen a saco y se sentó. Entre el alcohol, su expresión de completa satisfacción, el humo del tabaco y la pedazo música que estaba escuchando me quedé hipnotizado. No hablamos nada durante el tiempo que duró el disco, excepto algún apunte de "escucha esa guitarra", o "ojo a las trompetas" mientras iba oscureciendo fuera del instituto. Ni idea de cuál fue el concierto que vimos después (hubo muchos conciertos en aquella época), pero esa noche me llevé el disco a mi habitación y lo escuché varias veces seguidas.

En fin, uno de tantos momentos musicales que me concedió Marian. Momentos tan mágicos que las palabras se quedan cortas para explicarlos. Tengo una deuda infinita con él, así que para él esta entrada.

¡Espero que os guste!

Tracklist

1	Má Hra Composed By – Radim Hladík	8:58
2	Směr Jihovýchod Composed By – Lešek Semelka	5:29
3	Popínavý Břečťan Composed By – Radim Hladík	5:35
4	Blues Modrého Efektu Composed By – Kamil Hála, Vlastimil Hála	8:01
5	Nová Syntéza Composed By – Kamil Hála, Vlastimil Hála	14:16
	Bonus
6	Kingdom Of Life Lyrics By – Karel KozelMusic By – Radim Hladík	4:00
7	You'll Stay With Me Lyrics By – Karel KozelMusic By – Radim Hladík	4:23
8	Brother's Song Lyrics By – Karel KozelMusic By – Radim Hladík	2:20

• Bass Guitar – Jiří Kozel
• Conductor, Arranged By – Kamil Hála (tracks: 1 to 5)
• Design [Cover Design] – AlaDesign
• Design [Původní Obal - Original Sleeve] – Jaroslav Fišer
• Drums – Vlado Čech
• Engineer – Milan Papírník (tracks: 1 to 5)
• Guitar – Radim Hladík
• Orchestra – Jazzový Orchestr Čs. Rozhlasu* (tracks: 1 to 5)
• Photography – Alan Pajer
• Photography [Inlay] – Alexandr Janovský
• Piano – Lešek Semelka
• Producer – Oskar Jelínek (tracks: 1 to 5)
• Recording Supervisor – Vlastimil Hála (tracks: 1 to 5)
• Reissue Producer [Editor] – Karel Knechtl
• Remastered By – Oldřich Slezák
• Trombone – Ladislav Pikart (tracks: 1 to 5), Miroslav Koželuh (tracks: 1 to 5)
• Trumpet – Václav Týfa (tracks: 1 to 5)
• Vocals – Lešek Semelka (tracks: 6 to 8)
• Voice – Jaroslav Kummermann (tracks: 6)

Explosions in the Sky - The Earth is not Dead Place

En mi repaso a mis grupos favoritos originarios de Texas, hoy toca presentar uno de los discos al que mas vueltas le he dado (en sentido figurado, por supuesto) en mi reproductor de mp3 durante todos los años de doctorado. Este disco se llama The Earth is not a Cold dead Place, y constituye el 3er album del grupo Explosions in The Sky (toma ya!).

Descubrí este disco gracias a un amigo que colgó en facebook precisamente este enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=Xbe8RKfaIjU

Por qué me gustó tanto? Bien, pongámonos en contexto. Era mi segundo año de doctorado, la presión iba en aumento, estabamos en julio y hacia un calor endemoniado... todo parecia muy pesado, la universidad estaba vacía pero yo seguía yendo a trabajar y solo ansiaba que llegará el mes de agosto para escaparme de viaje. El remedio fué esta canción, que cuando la escuchababa  era como si realmente pudiera teletransportarme al fondo del océano y pertenecer a él, escuchar las burbujas de aire salir de mi boca atravesando el agua hacia la superficie, observar todo moverse a camara lenta.
Después de este primer contacto, poco a poco fuí descubriendo el resto de canciones, y aquel disco acabose por convertir en la banda sonora de aquel verano (y probablemente de toda mi tesis).

Mi locura por Explosions in the Sky se acrecentó máximamente en un concierto que dieron hace un par de años en mi ciudad natal, Zaragoza. Como tuve la fortuna de estar en primera fila disfrutando del sonido recién salido del amplificador, y vibrar como si estuviera con los propios músicos, narraré la experiencia: El espectáculo comenzó de la misma forma que comienzan todos sus conciertos. Munaf Rayani, uno de los guitarristas, dió un paso hacia el frente junto al micrófono, y profirió: "We are Explosions in the Sky from Texas". Desde ese momento hasta el final la unica voz que se escuchó fué la de las guitarras, la bateria y algún efecto de pedal loop, empalmando una canción con la otra creando el perfecto trance. Aunque Explosions in the Sky carece de todo el barroquismo de The Mars Volta, son capaces combinar patrones relativamente simples entre todas las guitarras consiguiendo arrastrarte junto a ellas y no soltarte hasta el final. Las canciones atraviesan fases de bajones y subidones, y aunque sin letra, cada una de ellas parece estar contando una historia diferente.

Aquí una de mis canciones favoritas del disco:

The last moment we were alone (hay que escucharla entera, sino no vale. Ojito al minuto 8:00, pocas cosas son tan parecidas a un orgasmo en la música... piel de gallina)

https://www.youtube.com/watch?v=p4HvZuOMPwk
(En cualquier caso esto no es para nada comparable a disfrutar un concierto en vivo)


(miralos que majos con sus pelos de jipilondios. Esta foto ya tiene unos años me temo)

Aquí dejo el enlace para el que quiera degustar el disco entero.

https://www.youtube.com/watch?v=Ziw4yd5R0QI

The earth is not a cold dead place (2003)
1. "First Breath After Coma"   9:33
2. "The Only Moment We Were Alone"   10:14
3. "Six Days at the Bottom of the Ocean"   8:43
4. "Memorial"   8:50
5. "Your Hand in Mine"

Espero que Explosions in the Sky os gustén tanto como a mí y os llenen de épica emoción. Yo solo espero poder volver a verlos pronto en directo. Un abrazo de vuestro reporterto mas dicharachero.

Jeff Buckley - Grace

No voy a escribir mucho sobre el disco que he escogido para compartir en esta ocasión, puesto que al ser uno de los denominados “de culto” o “referencial” se pueden encontrar muchas y muy buenas reseñas a largo y ancho de la red. Tampoco voy a centrarme en el personaje por motivos similares. Sin embargo voy a contar un poco la experiencia personal que me llevó a descubrirlo, puesto que el modo en que lo hice está en cierto modo ligado a la filosofía del blog. Una buena forma para investigar nueva música en la época pre-spotify eran los préstamos de cd’s en las bibliotecas públicas. No consigo recordar si ya había leído alguna reseña sobre Jeff Buckley que me llamase la atención en el periódico, pero el caso es que esa tarde de viernes cogí su disco “Grace” de los estantes de la biblio para tantearlo antes de decidir si llevármelo en préstamo. Creo que nunca hasta aquel día había tenido la necesidad de acabar todo el disco de un tirón antes de llevarlo para casa. Su voz tan característica como de otro mundo, los contrastes entre las distintas intensidades de las canciones, que iban sucediéndose formando un conjunto extraño pero harmónico... Necesitaba escuchar ese disco de nuevo, así que definitivamente me lo llevé y más tarde por supuesto terminé comprándolo. La canción que más me impactó durante esa escucha fue la versión de “Hallelujah” de Leonard Cohen. A pesar de desconocer la versión original, la profundidad de la interpretación llevan la canción a un nivel tan personal que ni me planteé que no fuese una composición suya. Sumado a su halo místico, no pude evitar aportar este cover a la lista de “Las eternas” de Mermelada Sónica. Desde ese ya lejano primer contacto con “Grace”, de vez en cuando siento el impulso de volver al disco, y siempre sigue llegándome igual o más que el primer día. 

GRACE

Jeff Buckley

Publicación: 23 de agosto de 1994
Grabación: 1993-1994
Duración: 117:00
Discográfica: Columbia
Productor: George Marino

Tracklist:

01. "Mojo Pin" (Jeff Buckley, Gary Lucas) - 5:42
02. "Grace" (Jeff Buckley, Gary Lucas) - 5:22
03. "Last Goodbye" (Jeff Buckley) - 4:35
04. "Lilac Wine" (James Shelton) - 4:32
05. "So Real" (Jeff Buckley, Michael Tighe) - 4:33
06. "Hallelujah" (Leonard Cohen) - 6:53
07. "Lover, You Should've Come Over" (Jeff Buckley) - 6:43
08. "Corpus Christi Carol" (Benjamin Britten) - 2:56
09. "Eternal Life" (Jeff Buckley) - 4:52
10. "Dream Bother (Jeff Buckley, Mick Grøndahl, Matt Johnson) - 5:26

Músicos:

Karl Berger - arreglos de cuerda
Jeff Buckley - voz, guitarra, órgano, dulcimer, armonio, tabla (track 10)
Mick Grøndahl - bajo
Loris Holland - órgano (track 7)
Matt Johnson - percusión, batería, vibráfono (track 10)
Gary Lucas - "Magical Guitarness" (tracks 1,2)
Misha Masud - tabla (track 10)
Michael Tighe - guitarra

Personal técnico:

Christopher Austopchuk – dirección de arte, diseño

Steve Berkowitz – productor ejecutivo
Jeff Buckley – productor
Jennifer Cohen –  asistente de diseño
Merri Cyr – fotografía
David Gahr – fotografía
Bryant W. Jackson – ingeniero asistente
Chris Laidlaw – ingeniero asistente
Nicky Lindeman – dirección de arte, diseño
Clif Norrell – ingeniero

Steve Sisco – ingeniero asistente
Andy Wallace – productor, ingeniero, mezclao
Howie Weinberg – masterización

Live Nebraska by Jaume Anglada (Barcelona)

Y allí fuimos, al concierto del post, haciendo honor a la entrada de Nebraska de Miguel. Aunque no hubiéramos oído hablar del tal JaumeAnglada que aparecía en el cartel.

No sabíamos que allí nos reencontraríamos con Alexis, con 10 añitos más y varios pacharanes en el cuerpo. El tal Jaume resultó ser un cachondo, majísimo y con una voz portentosa que con un poco de trabajo pero mucho talento, nos trasladó al Nebraska de Bruce Springsteen.

... pero yo lo que veía era a Alexis cantándonos canciones con la guitarra como tantas otras veces en la Ciutadella, será que se te echa de menos...

Y para más sorpresas Jaume no fue el único que cantó aquella noche. Jordi, animado por el público se arrancó también a homenajear a Springsteen y al blog. Bravo por Jordi!! Aquí os dejo algún vídeo para que los disfrutéis.

PD: como no podía meter vídeos en los comentarios el post de Nebraska, he escrito uno nuevo. Enjoy! 

Los Urogallos- Urogallos

Mi contribución de esta semana es otro grupo actual en castellano (curioso que el vasco y el catalán seamos los que tiremos por ahí). El grupo se llama Los Urogallos, pero os voy a contar esquemáticamente una historia que arranca en la movida madrileña de los '80. Las nuevas libertades que nos daba lo que parecía una democracia hicieron que surgieran una serie de grupos míticos. Ya en los '90 hubo una segunda movida, más repartida geograficamente (Granada, Murcia, Madrid y Barcelona), heredera de la primera. Estos grupos (Fresores Rebeldes, Meteosat, La Monja Enana, La Casa Azul, Vacaciones, etc.) tenían en común una actitud naïf, indie, desenfadada y se encuadraban en un estilo pop.

Se enfrentaron a algunas críticas y fueron bautizados como tonti-pop. Como nota personal, yo me apasioné con estos grupos y flipaba en colores. Era algo nuevo, diferente y muy moderno. Nada parecido se escuchada en la tele ni en la radiofórmula.
Avancemos un poco que os vais a dormir. Al cabo de unos años empezaron a surgir otros grupos que se quisieron desmarcar y optaron por un estilo punk-pop, aunque compartieron la escena indie de esos años y se retroalimentaron. Por ejemplo, en la portada del primer disco del grupo TCR se veían unas chucherías (imagen icónica del tonti-pop) pisoteadas. Curiosamente dos de sus componentes tocaban también con los Fresones.

Bueno, y así estamos. Por si os lo estáis preguntando en qué quedó todo esto, si nunca más se supo de ellos, si tuvieron repercusión, etc. Muchos grupos desaparecieron como aparecieron. A algún componente lo podéis ver en la tele con corbata.
Otros grupos continúan y siguen produciendo grandes discos.
Pero creo (no soy neutral) que tuvieron gran repercusión. Pusieron en valor la música en castellano (que se lo digan a Love of Lesbian y a otros tantos que empezaron en inglés porque era lo molón) y crearon una escena indie de público, festivales, discográficas y salas de música que llega a nuestros días.

Por último (por fin!), os presento el primer EP de Los Urogallos. Son los herederos de los desaparecidos TCR. Practican un punk-pop fresco y sin complejos. Me encanta este estilo de música y la filosofía que esconde (si es que la música conoce de filosofías). También me encanta lo que en su día supuso TCR y otros tantos grupos que ayudaron a modernizar la escena pop española.

Mother Love Bone - Apple

Hoy presento lo que para mí es un disco sencillo pero imprescindible para comprender lo que fue el inicio de una revolución musical.

Cuando hablamos de grunge se nos vienen a la cabeza unos cuantos nombres de bandas que, sin duda, tuvieron una importancia enorme en la historia de la música. Pero normalmente se suele pasar por alto un grupo que fue considerado por muchos como el verdadero detonador de lo que llegó a ser este género en años posteriores.

Estamos hablando de Seattle a mediados de los años 80, un tiempo y un lugar del mundo en el que las radios y las listas de ventas estaban dominadas por nombres como Guns N´ Roses, Kiss, Bon Jovi o Aerosmith. Era un tiempo en el que el glam metal se había convertido en la música más popular .

Sin embargo, empezaron a salir a escena unos cuantos grupos que criticaban lo que para ellos era una música demasiado "comercial", desarrollando un sonido más "sucio", con unas letras con un fuerte carácter de conciencia social. Son bandas como Soundgarden, Green River o The Melvins.

Entre estos ya legendarios nombres, otro grupo que sonaba por aquella época era Mulfunkshun,  fundado por Kevin Wood y el vocalista (y protagonista de este post) Andrew Wood, con claras influencias de grupos como Kiss pero con un sonido propio que ya apuntaba a lo que ocurriría (o, mejor dicho, estaba ocurriendo) a su alrededor. Después de casi una década de conciertos y su participación en "Deep Six", el primer recopilatorio de grunge de la historia, Malfunkshun se separa sin haber llamado la atención de las discográficas más importantes del momento, que no consideraban su sonido del todo "grunge", y cada miembro de la banda sigue su camino.

Andrew Wood se unió a Stone Gossard y Jeff Ament (guitarra y bajo del recién disuelto Green River) para crear Mother Love Bone. La formación se completó con Greg Gilmore a la batería y Bruce Fairweather a la guitarra líder.

Mother Love Bone se caracterizó por crear un estilo a medio camino entre el glam rock y el punk, o lo que a los amantes de las etiquetas les gusta llamar glam pre-grunge. Como podéis ver en esta entrevista, ni siquiera Andrew consideraba su sonido dentro del llamado "Sonido de Seattle".

En 1989 grabaron su primer EP, "Shine", con letras místicas y enrevesadas, una voz que recuerda por momentos a Robert Plant y con una puesta en escena arrolladora con el protagonismo de un Andy Wood que se había dejado llevar por el maquillaje y la estética glam y que daba cada concierto como si tocase para un estadio lleno hasta los topes aunque en ocasiones sólo hubiese cuatro gatos.

Andy Woods, recién salido de rehabilitación por sus problemas con la heroína, se muda al piso de Chris Cornell, líder de Soundgarden. Desde luego, es un tiempo de una enorme creatividad (cuentan las leyendas que se encerraban cada uno en su habitación e intentaban grabar una canción por día) y pronto, en 1990, Mother Love Bone se mete en los estudios a grabar lo que sería su primer LP. Una sección rítmica básica pero contundente, unos riffs y punteos de guitarra potentes y concisos y la voz de Andrew encajando a la perfección, hacían de éste, a mi modo de ver, un álbum redondo que, por encima de todo, derrochaba rock por los cuatro costados.

Pero unos días antes de ser publicado, Andy muere de una sobredosis de heroína. Un verdadero palo para sus amigos y conocidos, pero también para la escena musical de Seattle. El álbum sale a la luz más adelante con el nombre de "Apple".

Tras el duro golpe, el grupo se disuelve teniendo claro que no encontrarán un cantante que pueda sustituir a Andy.

Otra historia más de un genio que se iba demasiado pronto, con tan sólo 24 años (hace dos semanas se cumplían 25 años de su muerte). Pero si había que sacar algo bueno de esto, Chris Cornell se encargó de ello. Grabó un disco tributo a Andy llamado Temple of the Dog (en referencia a la canción The man of golden words) junto a los que más adelante formarían parte de Pearl Jam: Stone Gossard, Jeff Ament, Mike McCready y el recién llegado a Seattle, Eddie Vedder.

Todos ellos son nombres de jóvenes de una generación que sentía verdadera pasión por la música. Y ese amor por la música queda patente en la persona de Andrew, en su fuerte y continua lucha interior contra su adicción porque, entre otras cosas, cuando estaba "puesto" no era capaz de hacer lo que de verdad amaba: música. De hecho, "This is Shangrila" fue malinterpretada por algunos como el "subidón" al meterse heroína. No estaban tan equivocados en lo del subidón, pero a lo que la letra se refiere es a lo que sentía cuando estaba en el escenario tocando y se embarcaba en un viaje místico. Una especie de colocón natural a través de la música.

"Apple" es el agridulce punto final del legado de un músico con una actitud impecable en los escenarios y un talento musical enorme. Un disco que me hace pensar en lo que podría haber dado este hombre al mundo de la música si aún siguiese vivo. Una joya que sin duda se merece un mayor reconocimiento tanto por su calidad como por lo que significó para el Grunge, un movimiento social que, al igual que este blog, lleva la música por bandera.

"Let´s fall in love with music

the driving force in our living

the only international language"